Progressiver Rock - Wikipedia

Für andere Zwecke siehe Prog.

Progressive Rock (verkürzt als prog ; manchmal auch als art rock oder als klassischer Rock bezeichnet. Symphonic Rock ) ist ein breites Genre der Rockmusik, das sich zwischen Mitte und Ende der 1960er Jahre im Vereinigten Königreich und in den Vereinigten Staaten entwickelte. Ursprünglich als "Progressive Pop" bezeichnet, war der Stil ein Auswuchs psychedelischer Bands, die die üblichen Pop-Traditionen zugunsten von Instrumental- und Kompositionstechniken aufgaben, die häufiger mit Jazz, Folk oder klassischer Musik verbunden sind. Zusätzliche Elemente trugen zu seinem "progressiven" Label bei: Die Texte waren poetischer, die Technologie wurde für neue Klänge genutzt, die Musik näherte sich dem Zustand von "Kunst", und das Studio wurde zum Mittelpunkt der musikalischen Aktivität, die oft mit dem Schaffen verbunden war Musik zum Zuhören, nicht zum Tanzen.

Prog basiert auf Fusionen von Stilen, Ansätzen und Gattungen und beinhaltet einen kontinuierlichen Wechsel zwischen Formalismus und Eklektizismus. Aufgrund seiner historischen Rezeption ist Prog's Spielraum manchmal auf ein Klischee aus langen Soli, überlangen Alben, Fantasy-Texten, grandiosen Bühnenbildern und Kostümen und einer obsessiven Hingabe an technische Fähigkeiten beschränkt. Während das Genre oft für die Verschmelzung von Hochkultur und Niedrigkultur zitiert wird, hat nur ein Teil der Künstler buchstäbliche klassische Themen in sein Werk aufgenommen, und nur eine Handvoll Gruppen, die die klassische Musik absichtlich nachahmen oder referenzieren.

Das Genre fiel mit dem wirtschaftlichen Aufschwung Mitte der 1960er Jahre zusammen, der den Plattenfirmen die Möglichkeit gab, ihren Künstlern mehr kreative Kontrolle zu geben, als auch die neue journalistische Trennung zwischen "Pop" und "Rock", die beiden Begriffen eine generische Bedeutung verlieh. In den frühen 70er Jahren erlebte Prog einen hohen Bekanntheitsgrad, der jedoch bald nachließ. Konventionelle Weisheit besagt, dass der Aufstieg von Punk Rock dies verursacht hat, aber mehrere weitere Faktoren trugen zum Rückgang bei. Musikkritiker, die die Konzepte oft als "anmaßend" und die Sounds als "pompös" und "überblasen" bezeichneten, neigten dazu, dem Genre gegenüber feindselig zu sein oder es völlig zu ignorieren. Nach den späten 70er Jahren wurde Progressive Rock in zahlreichen Formen fragmentiert. Einige Bands waren bereits in den 1980er Jahren kommerziell erfolgreich (allerdings mit veränderter Besetzung und kompakteren Songstrukturen) oder in symphonischem Pop, Arena-Rock oder New Wave gekreuzt.

Frühe Gruppen, die progressive Merkmale zeigten, werden rückwirkend als "Protoprog" bezeichnet. Die Canterbury-Szene, die in den späten 1960er Jahren entstand, bezeichnete eine Teilmenge von Prog-Bands, die den Einsatz von Blasinstrumenten, komplexe Akkordwechsel und lange Improvisationen betonen. Rock in Opposition aus den späten 70er Jahren war avantgardistischer und entstand in Kombination mit dem Canterbury-Stil Avant-Prog. In den 1980er-Jahren war ein neues Subgenre, Neo-Progressive Rock, kommerziell erfolgreich, obwohl es auch abgelehnt wurde, dass es sich um abgeleitete und mangelnde Innovationen handelte. Postprogressive stützt sich auf neuere Entwicklungen in der populären Musik und der Avantgarde seit Mitte der 1970er Jahre.

Definition und Eigenschaften [ edit ]

Geltungsbereich und verwandte Begriffe [ edit ]

Der Begriff "Progressive Rock" ist synonym zu " Art Rock "," Klassik Rock "und" Symphonic Rock ". Historisch wurde "Kunstrock" verwendet, um mindestens zwei verwandte, aber unterschiedliche Arten von Rockmusik zu beschreiben. Der erste ist progressiver Rock, wie er allgemein verstanden wird, während sich der zweite Gebrauch auf Gruppen bezieht, die Psychedelia und die Hippie-Gegenkultur zugunsten eines modernistischen, avantgardistischen Ansatzes ablehnten. ^{[nb 1]} Ähnlichkeiten zwischen den beiden Begriffen besagen, dass sie beide beschreiben Meistens versuchen Briten, Rockmusik auf ein neues Niveau künstlerischer Glaubwürdigkeit zu heben. Kunstrock hat jedoch eher experimentelle oder avantgardistische Einflüsse. ^[14] "Prog" wurde in den 1990er Jahren als Abkürzung konzipiert, wurde jedoch später zu einem übertragbaren Adjektiv, was auch auf eine breitere Palette als auf die von Rockstar gemachte hinweist populärste Bands der 1970er Jahre.

Progressive Rock ist abwechslungsreich und basiert auf Fusionen von Stilen, Ansätzen und Genres, die auf breitere kulturelle Resonanzen eingehen, die sich mit Avantgardekunst, klassischer Musik und Volksmusik, Performance und Bewegtbild verbinden. Obwohl sich in den späten 1960er Jahren ein unidirektionaler englischer "progressiver" Stil entwickelte, bildete der progressive Rock 1967 eine Vielfalt lose zusammenhängender Stilcodes. Als das Label "Progressive" ankam, wurde die Musik als "Progressive Pop" bezeichnet, bevor sie als "Progressive Rock" bezeichnet wurde ^{[nb 2]} . Der Begriff "Progressive" bezieht sich auf die breite Palette von Versuchen, mit der üblichen Popmusikformel zu brechen. Eine Reihe weiterer Faktoren trug zum erworbenen "progressiven" Label bei: Die Texte waren poetisch; Die Technologie wurde für neue Sounds genutzt. Musik näherte sich dem Zustand von "Kunst"; einige harmonische Sprache wurde aus Jazz und klassischer Musik des 19. Jahrhunderts importiert; das Albumformat überholte Singles; und nicht das Bühnenbild, sondern das Studio wurde zum Mittelpunkt der musikalischen Aktivität, bei der häufig Musik zum Zuhören und nicht zum Tanzen geschaffen wurde.

Eine der besten Möglichkeiten, progressiven Rock zu definieren, besteht darin, dass es sich um ein heterogenes und mühsames Genre handelt Eine Formulierung, die in dem Moment klar wird, in dem wir Charakterisierungen hinterlassen, die nur auf den sichtbarsten Banden der frühen bis Mitte der 1970er Jahre beruhen

- Paul Hegarty und Martin Halliwell

. Kritiker der Gattung beschränken ihren Geltungsbereich oft auf einen Stereotyp langer Soli , überlange Alben, Fantasytexte, grandiose Bühnenbilder und Kostüme und ein obsessives Engagement für technische Fähigkeiten. Während Progressive Rock oft wegen seiner Verschmelzung von Hochkultur und Niedriger Kultur zitiert wird, haben nur wenige Künstler buchstäbliche klassische Themen in ihr Werk einbezogen, und nur eine Handvoll Gruppen, die die klassische Musik bewusst nachgeahmt oder referenziert haben. Die Autorin Emily Robinson sagt, dass die engere Definition von "progressivem Rock" eine Maßnahme gegen die lockere Anwendung des Begriffs in den späten 1960er Jahren war, als sie "auf jeden angewendet wurde, von Bob Dylan bis zu den Rolling Stones". Die Debatte über das Kriterium des Genres wurde bis in die 2010er Jahre fortgesetzt, insbesondere in Internetforen, die sich dem Thema Prog widmeten.

Laut den Musikwissenschaftlern Paul Hegarty und Martin Halliwell haben Bill Martin und Edward Macan große Bücher über Progrock verfasst, während sie die Charakterisierung effektiv akzeptierten [ing] von progressivem Rock, der von seinen Kritikern angeboten wird ... sie tun dies alles weitgehend unbewusst. " Der Akademiker John S. Cotner widerspricht der Auffassung von Macan, dass Progressive Rock nicht existieren kann, ohne dass die klassische Musik kontinuierlich in den Rock aufgenommen wird. Autor Kevin Holm-Hudson stimmt zu: "Progressive Rock ist ein Stil, der weitaus vielfältiger ist als das, was von seinen Mainstream-Gruppen gehört wird und von unsympathischen Kritikern impliziert wird."

Beziehung zu Kunst und sozialen Theorien [ edit ]

In frühen Bezügen zur Musik war "progressiv" teilweise mit progressiver Politik verbunden, aber diese Konnotationen gingen in den 1970er Jahren verloren. In Bezug auf "progressive Musik" schreibt Holm-Hudson, dass es "kontinuierlich" zwischen expliziten und impliziten Verweisen auf Gattungen und Strategien wechselt, die nicht nur aus der europäischen Kunstmusik stammen, sondern auch aus anderen kulturellen Bereichen (wie z Daher beinhaltet eine fortwährende ästhetische Bewegung zwischen Formalismus und Eklektizismus. "^{[nb 3]} Cotner sagt auch, dass Progressive Rock sowohl formale als auch eklektische Elemente beinhaltet." Es besteht aus einer Kombination von Faktoren - einige von ihnen sind intramusikal ("innerhalb"), andere extramusikal oder andere social ("without"). "

Eine Möglichkeit, Rock and Roll in Bezug auf" progressive music "zu konzeptualisieren, ist, dass progressive Musik das Genre in eine größere Komplexität versetzt und gleichzeitig die Wurzeln der romantischen und klassischen Musik nachvollzogen. Der Soziologe Paul Willis glaubt: "Wir dürfen niemals im Zweifel sein, dass" progressive "Musik dem Rock'n'Roll folgte und dass es keinen anderen Weg hätte geben können. Wir können Rock 'n' Roll als Dekonstruktion und" progressiv "betrachten. Musik als Rekonstruktion. " Autor Will Romano stellt fest, dass "Rock selbst als progressive Idee interpretiert werden kann. Ironischerweise und paradoxerweise führt" Progressive Rock ", die klassische Ära der späten 1960er bis Mitte und Ende der 1970er Jahre, nicht nur den Sprengstoff ein Erkundungsklänge der Technik ... aber traditionelle Musikformen (klassisches und europäisches Folk) und (oft) ein pasticher Kompositionsstil und künstliche Konstrukte (Konzeptalben), die auf Postmodernismus schließen lassen. "

History [ edit ]

1966–70: Origins [ edit ]

Hintergrund und Wurzeln [ edit

Die soziale und künstlerische Korrespondenz zwischen britischen und amerikanischen Rockmusikern beschleunigte sich dramatisch für Bands wie die Beatles, Beach Boys und Byrds, die Elemente der kultivierten Musik mit den einheimischen Rocktraditionen vereinigten. Progressive Rock basierte auf den "progressiven" Popgruppen aus den 1960er Jahren, die Rock and Roll mit verschiedenen Musikstilen wie indischen Ragas, orientalischen Melodien und gregorianischen Gesängen wie den Beatles und den Yardbirds kombinierten. Paul McCartney der Beatles sagte 1967: "Wir [the band] hatten die ganze Zeit ein bisschen langweilig mit 12 Takten, also versuchten wir, uns auf etwas anderes einzulassen. Dann kamen Dylan, der Who und die Beach Boys. ... Wir Ich versuche alle das gleiche zu tun. " Rockmusik begann sich selbst ernst zu nehmen, parallel zu früheren Versuchen im Jazz (als Swing bop wurde, was beim Publikum nicht gelang). In dieser Zeit begann das Volkslied, ein neues Ausdrucksmittel zu signalisieren, das über das dreiminütige Liebeslied hinausging und zu einer Kreuzung zwischen "Underground" und "Establishment" für hörende Öffentlichkeit führte. ^{[nb 4]}

Hegarty und Halliwell identifizieren die Beatles, die Beach Boys, die Doors, die Pretty Things, die Zombies, die Byrds, die Grateful Dead und den Pink Floyd "nicht nur als Vorläufer von Prog, sondern als wesentliche Entwicklungen der Proglichkeit Anfangszeit". Laut dem Musikwissenschaftler Walter Everett ermutigten die Beatles "experimentelle Timbres, Rhythmen, Klangstrukturen und poetische Texte" auf ihren Alben Rubber Soul (1965) und Revolver (1966) " Legion junger Bands, die Anfang der 70er Jahre Progressive Rock schaffen sollten ". Dylans Gedichte, das Album von Mothers of Invention Freak Out! (1966) und die Beatles ' Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band (1967) war für die Entwicklung des progressiven Rocks von großer Bedeutung. ^[14] Die Produktionen von Phil Spector waren der entscheidende Einfluss, da sie die Möglichkeit einführten, mit dem Aufnahmestudio Musik zu schaffen, die ansonsten niemals möglich wäre . Dasselbe ^{[ vage ]} wird für die Beach Boys Pet Sounds (1966) gesagt, die Brian Wilson als Antwort auf Rubber Soul beabsichtigte. 19659035] und was wiederum die Beatles beeinflusste, als sie Sgt. Pepper's

Dylan führte ein literarisches Element ein, um durch seine Faszination für die Surrealisten und die französischen Symbolisten und sein Eintauchen in die New Yorker Kunstszene der frühen 1960er Jahre zu rocken. Der Trend von Bands, deren Namen aus der Literatur stammen, wie Doors, Steppenwolf und Ides of March, war ein weiteres Zeichen der Rockmusik, die sich mit der Hochkultur verbindet. Dylan war auch führend in der Mischung von Rock mit Folk-Musikstilen. Es folgten Folk-Rock-Gruppen wie die Byrds, die ihren anfänglichen Sound auf den Beatles gründeten. ^[45] Die Byrds-Vokalharmonien inspirierten wiederum die von Yes und britische Folk-Rock-Bands wie Fairport Convention, die dies betonten instrumentale Virtuosität. Einige dieser Künstler, wie die Incredible String Band und Shirley und Dolly Collins, würden sich durch den Einsatz von Instrumenten der Weltmusik und der Alten Musik als einflussreich erweisen.

Pet Sounds und Sgt. Pepper's [ edit ]

Pet Sounds und Sgt. Peppers mit ihrer lyrischen Einheit, erweiterten Struktur, Komplexität, Eklektizismus, Experimentalismus und Einflüssen aus der klassischen Musik, werden größtenteils als Anfänge im progressiven Rock-Genre und als Wendepunkte im Rock angesehen, die zuvor als Tanz galt Musik wurde zu Musik, die zum Hören gemacht wurde. Zwischen Pet Sounds und Sgt. Pepper's die Beach Boys, veröffentlichten die Single "Good Vibrations" (1966) und nannten sie eine "Pocket-Symphonie" von Derek Taylor, der für beide Gruppen als Publizist arbeitete. Das Lied enthielt eine vielseitige Reihe exotischer Instrumente und mehrere disjunktive Key- und Modal-Shifts. Scott Interrante von Popmatters schrieb, dass sein Einfluss auf Progressive Rock und die psychedelische Bewegung "nicht überbewertet werden kann". ^[54] Martin verglich das Lied mit dem "Ein Tag im Leben" der Beatles von ] Sgt. Pepper's in dem sie "die gleichen Gründe präsentieren, weshalb viel Progressive Rock schwer zu tanzen ist".

Obwohl Sgt. Peppers gingen mehrere Alben voraus, die begonnen hatten, die Grenze zwischen "Disposable" Pop und "Serious Rock" zu überbrücken. Sie verlieh der alternativen Jugendkultur eine etablierte "kommerzielle" Stimme und markierte den Punkt, an dem die LP-Platte aufgenommen wurde stellte sich als kreatives Format heraus, dessen Wichtigkeit der der Single gleich oder größer war. ^{[nb 5]} Bill Bruford, ein Veteran mehrerer progressiver Rockbands, sagte, Sgt. Pepper's veränderte die Vorstellungen beider Musiker hinsichtlich des Möglichen und die Vorstellungen des Publikums dessen, was in der Musik akzeptabel ist. Er glaubte: "Ohne die Beatles oder jemand anderes, der das getan hat, was die Beatles getan haben, kann man davon ausgehen, dass es keinen progressiven Rock gegeben hätte." In der Zeit nach Sgt. Pepper Zeitschriften wie Melody Maker haben eine scharfe Linie zwischen "Pop" und "Rock" gezogen, wodurch das "Rollen" von "Rock'n'Roll" (was sich nun auf den Stil der 1950er Jahre bezieht) eliminiert wird. Die einzigen Künstler, die "Rock" blieben, waren diejenigen, die als Vorreiter der Kompositionsformen angesehen wurden, weit entfernt von "funkfreundlichen" Standards, da die Amerikaner zunehmend das Adjektiv "Progressive" für Gruppen wie Jethro Tull, Family und East of Eden verwendeten , Van Der Graaf Generator und King Crimson. <Sup id = "cite_ref-FOOTNOTEZoppo2014 [[Category:Wikipedia_articles_needing_page_number_citations_from_December_2016]] & # 91; [[Wikipedia:Citing_sources| page & nbsp; benötigt ]] & # 93; _66-0 "class =" reference "> [61]

Proto-Prog und Psychedelia [ edit ]

Gemäß AllMusic:" Prog-Rock begann 1967 aus der britischen psychedelischen Szene herauszukommen, insbesondere aus einem klassischen / symphonischen Rock, angeführt von Nice, Procol Harum und den Moody Blues ( Days of Futu) re Passed ). "^[62] Die Verfügbarkeit von erschwinglichen Aufnahmegeräten fiel zeitlich mit dem Aufkommen einer Londoner U-Bahn-Szene zusammen, in der LSD häufig verwendet wurde. Pink Floyd und Soft Machine fungierten als Hausband bei All-Night-Events an Orten wie Middle Earth und dem UFO Club, wo sie mit Soundtexturen und Long-Form-Songs experimentierten. ^{[nb 6]} Viele psychedelische, Folk-Rock- und frühe progressive Bands waren dabei Mit Unterstützung durch BBC Radio 1 DJ John Peel.Jimi Hendrix, der sich in der Londoner Szene einen Namen gemacht hat und mit einer Band englischer Musiker aufgenommen hat, hat den Trend zur Virtuosität in der Rockmusik ausgelöst. Die schottische Band 1-2-3, später in Clouds umbenannt, wurde 1966 gegründet und trat ein Jahr später in Londoner Clubs auf. Laut Mojo [1910] George Knemeyer: "Einige Behauptungen [that they] hatten entscheidenden Einfluss auf Prog-Rocker wie Yes, The Nice and Family."

Symphonic Rock-Künstler in den späten Jahren 1960er Jahre hatten einige Chart-Erfolge, darunter die Singles "Nights in White Satin" (The Moody Blues, 1967) und "A Whiter Shade of Pale" (Procol Harum, 1967). ^[69] Die Moody Blues etablierten die Popularität von Sinfonik-Rock sie nahmen Days of Future Passed zusammen mit dem London Festival Orchestra auf, und Procol Harum begann, eine größere Auswahl akustischer Instrumente zu verwenden, ^{[ die Bedeutung des Beispiels? ]} besonders auf ihrem Album von 1969 A Salty Dog . Klassische Einflüsse nahmen manchmal die Form von Stücken an, die von klassischen Werken inspiriert oder inspiriert waren, wie etwa Jeff Becks "Beck's Bolero" und Teile des Nizza Ars Longa Vita Brevis . Letztere spiegeln zusammen mit den Nice-Tracks wie "Rondo" und "America" ​​ein größeres Interesse an Musik wider, die völlig instrumental ist. Sgt. Peppers und Days stellen beide eine zunehmende Tendenz zu Liederzyklen und Suiten dar, die aus mehreren Bewegungen bestehen.

Mehrere Bands, die Jazz-Stil-Horn-Abschnitte enthielten, erschienen, darunter Blood, Sweat & Tears und Chicago . Von diesen unterstreicht Martin Chicago insbesondere für ihr Experimentieren mit Suiten und erweiterten Kompositionen, wie dem "Ballett für ein Mädchen in Buchannon" am Chicago II . Jazz-Einflüsse traten in der Musik britischer Bands wie Traffic, Colosseum und If zusammen mit Canterbury-Szene-Bands wie Soft Machine und Caravan auf. Canterbury-Szene-Bands betonten den Einsatz von Blasinstrumenten, komplexe Akkordwechsel und lange Improvisationen. Martin schreibt, dass es 1968 noch keinen "ausgewachsenen progressiven Rock" gab, aber drei Bands veröffentlichten Alben, die später an die Spitze der Musik kamen: Jethro Tull, Caravan und Soft Machine.

	Macan schreibt diesen König Crimsons Album "zeigt jedes Element des ausgereiften Progressive Rock-Genres ... [and] übte einen starken extramusischen Einfluss auf spätere Progressive Rock-Bands aus."
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Der Begriff "Progressive Rock", der in den Liner Notes von Caravans 1968 selbstbetitelter Debüt-LP auftauchte, wurde auf Bands angewendet, die klassische Techniken verwendeten, um die Stile und Konzepte der Rockmusik zu erweitern . The Nice, Moody Blues, Procol Harum und Pink Floyd enthielten alle Elemente des heute als Progressive Rock bezeichneten, aber keines davon war ein so komplettes Beispiel für das Genre wie mehrere Bands, die sich kurz danach bildeten. Fast alle großen Bands des Genres, darunter Jethro Tull, King Crimson, Yes, Genesis, Van der Graaf Generator, ELP, Gentle Giant und Curved Air, veröffentlichten ihre Debütalben in den Jahren 1968–1970. Die meisten davon waren Folk-Rock-Alben, die wenig Anhaltspunkte dafür geben, wie der reife Sound der Band aussehen würde, aber King Crimson's In Court of the Crimson King (1969) war ein vollständig ausgebildetes Beispiel für das Genre. 19659058] Kritiker nahmen an, dass das Album die logische Erweiterung und Entwicklung der Arbeit der späten 1960er Jahre war, die von den Moody Blues, Procol Harum, Pink Floyd und den Beatles exemplarisch dargestellt wurde. Macan zufolge ist das Album möglicherweise der einflussreichste für den Progressive Rock, weil er die Musik früherer Bands "zu einem unverwechselbaren, sofort wiedererkennbaren Stil" kristallisiert.

1970er-80er-Jahre [ edit ] 19659061] Spitzenjahre (1971–76) [ edit ]

Die meisten großen Bands des Genres veröffentlichten ihre am meisten gefeierten Alben in den Jahren 1971–1976. Das Genre erlebte Anfang der 70er Jahre einen hohen kommerziellen Erfolg. Jethro Tull, ELP, Yes und Pink Floyd kamen für vier Alben zusammen, die die Nummer eins der US-Charts erreichten, und sechzehn ihrer Alben erreichten die Top 10. ^{[nb 8] [nb 8]} [19] ^{[nb 8]} [19] [19] [19] [19] von Mike Oldfield [19]Tubular Bells (1973), 1973 Auszüge davon wurden als Thema für den Film verwendet Der Exorzist verkaufte 16 Millionen Exemplare. ^{[85] [ Beispielsbedeutung?}

Progressive Rock wurde geboren im Ausland geschätzt, blieb aber meist ein europäisches und vor allem britisches Phänomen. Nur wenige amerikanische Bands, die sich daran beteiligten, und die reinsten Vertreter des Genres, wie Starcastle und Happy the Man, blieben auf ihre eigenen geografischen Regionen beschränkt. Dies ist zumindest zum Teil auf die Unterschiede in der Musikindustrie zwischen den USA und Großbritannien zurückzuführen. ^{[87][nb 9]} Kulturelle Faktoren waren ebenfalls beteiligt, da US-Musiker eher aus einem Blues-Hintergrund stammten, während die Europäer eher eine Grundlage in der klassischen Musik hatten. Nordamerikanische progressive Rockbands und Künstler repräsentierten häufig hybride Stile wie die komplexen Arrangements von Rush, den Hardrock von Captain Beyond, das südrockige Prog von Kansas, die Jazzfusion von Frank Zappa und Return to Forever sowie die eklektische Fusion of the instrumental Dixie Dregs. ^{[92][93][94][95] [ Text-Source Integrity?} Britische Progressive-Rock-Acts hatten ihren größten US-Erfolg in denselben geografischen Gebieten, in denen britische Heavy-Metal-Bands ihre größten Erfolge erlebten Popularität. Die Überschneidungen beim Publikum führten zum Erfolg von Arena-Rock-Bands wie Boston, Kansas und Styx, die Elemente der beiden Stile kombinierten.

Progressive Rock erlangte in Kontinentaleuropa schneller Popularität als in den USA. Italien war an Rockmusik im Allgemeinen nicht interessiert, bis sich die starke italienische Progressive-Rock-Szene Anfang der 70er Jahre entwickelte. ^{[nb 10]} Nur wenige europäische Gruppen waren außerhalb ihres eigenen Landes erfolgreich, mit Ausnahme von Bands wie Focus, die englischsprachige Texte verfassten , und Le Orme und PFM, deren englische Texte von Peter Hammill bzw. Peter Sinfield geschrieben wurden. Einige europäische Bands spielten in einer Stilableitung englischer Bands. ^{[ Verifizierung erforderlich ] [nb 11]} Die "Kosmische Musik" -Szene in Deutschland wurde international als "Krautrock" bezeichnet und ist vielfältig zu sehen ^{[ Wieselwörter} als Teil des progressiven Rock-Genres oder eines völlig unterschiedlichen Phänomens. Bands wie Can, zu der zwei Mitglieder gehörten, die bei Karlheinz Stockhausen studiert hatten, waren tendenziell stärker von der klassischen Musik des 20. Jahrhunderts beeinflusst als die britischen Bands, deren musikalisches Vokabular eher der Romantik zu verdanken war. Viele dieser Gruppen waren selbst unter Bands, die wenig Begeisterung für die symphonische Vielfalt des Progressive Rock hatten, sehr einflussreich.

Rückgang und Fragmentierung [ ]

Politische und soziale Tendenzen der späten Die 1970er Jahre verschoben sich von den Hippie-Einstellungen der frühen 1970er Jahre, die zur Entwicklung und Beliebtheit des Genres geführt hatten. Der Aufstieg des Punkzynismus machte die utopischen Ideale, die in progressiven Rocktexten zum Ausdruck kamen, unmodern. Virtuosität wurde abgelehnt, da die Kosten für den Kauf von Qualitätsinstrumenten und die Zeitinvestition für das Erlernen dieser Instrumente als Hindernisse für die Energie und Unmittelbarkeit von Rock angesehen wurden. Auch in der Musikindustrie gab es Veränderungen, als Plattenfirmen verschwanden und sich zu großen Medienkonglomeraten zusammenschlossen. Die Förderung und Entwicklung von experimenteller Musik war nicht Teil der Marketingstrategie dieser großen Konzerne, die sich darauf konzentrierten, profitable Marktnischen zu identifizieren und auf sie zu zielen.

King Crimsons Robert Fripp glaubte, dass die Prog-Bewegung "vom Kurs abgekommen" sei. 19659084] Vier der erfolgreichsten Bands des Progressive Rock - King Crimson, Yes, ELP und Genesis - stoppten oder (in Genesis 'Fall) erlebten Mitte der 70er Jahre erhebliche personelle Veränderungen. Macan hält die Trennung von King Crimson vom September 1974 für besonders wichtig und bezeichnet es als den Punkt, an dem "alle englischen Bands dieses Genres aufgehört hätten zu existieren". Weitere große Bands, darunter Van der Graaf Generator, Gentle Giant und UK, lösten sich zwischen 1978 und 1980 auf. Viele Bands hatten bis Mitte der 1970er Jahre die Grenze erreicht, in der sie in einem Rock-Kontext experimentieren konnten, und Fans hatten es satt die ausgedehnten, epischen Kompositionen. Die Klänge der Hammond, Minimoog und Mellotron waren gründlich erforscht worden, und ihre Verwendung wurde zu Klischees. Die Bands, die weiter aufgenommen haben, haben ihren Sound oft vereinfacht und das Genre seit den späten 1970er Jahren fragmentiert. Nach Ansicht von Robert Fripp war "Progressive Rock" nicht mehr auf Neuland gestoßen und wurde zu einer Reihe von Konventionen, die wiederholt und imitiert werden sollten, und die Prämisse des Genres hatte aufgehört, "progressiv" zu sein.

Die Ära der Plattenfirmen, die in ihre Künstler investieren Mit der Freiheit des Experimentierens und der eingeschränkten Kontrolle über Inhalte und Marketing endete sie Ende der 70er Jahre. Unternehmenskünstler und Repertoiremitarbeiter übten eine zunehmende Kontrolle über den kreativen Prozess aus, der zuvor den Künstlern gehört hatte, und etablierte Akte wurden dazu gedrängt, Musik mit einfacherer Harmonie und Liedstrukturen und weniger Änderungen im Takt zu erzeugen. Eine Reihe symphonischer Popbands wie Supertramp, 10cc, das Alan Parsons Project und das Electric Light Orchestra brachten die Arrangements im Orchesterstil in einen Kontext, in dem Pop-Singles hervorgehoben wurden, während gelegentliche Erkundungen möglich waren. Jethro Tull, Gentle Giant und Pink Floyd entschieden sich für einen härteren Sound im Stil von Arena Rock.

In dieser Ära wurden nur wenige neue Progressive-Rock-Bands gegründet, und diejenigen, die fanden, dass Plattenlabels kein Interesse daran hatten, sie zu unterzeichnen. [19659087] Die kurzlebige Supergruppe UK war eine bemerkenswerte Ausnahme, da sich die Mitglieder bereits einen Namen gemacht hatten, obwohl sie eher im Stil früherer Bands spielten und wenig zur Weiterentwicklung des Genres beitrugen. Einige der wichtigsten Entwicklungen des Genres zu dieser Zeit hatten Einfluss auf andere Stile, da mehrere Gitarristen mit europäischen Verbindungen einen progressiven Rock-Ansatz für Heavy Metal brachten und den Grundstein für den zukünftigen progressiven Metal-Stil legten. Michael Schenker von UFO und Uli Jon Roth, der Schenker in Scorpions ersetzte, erweiterten das modale Vokabular für Gitarristen. ^{[117] [ weitere Erklärung erforderlich} Roth studierte klassische Musik mit der Absicht von mit der Gitarre in der Art und Weise, wie klassische Komponisten die Geige benutzten. ^[118] Schließlich bildeten der in den Niederlanden geborene und klassisch ausgebildete Alex und Eddie Van Halen Van Halen, der bahnbrechende Whammy-Bar, Schlagzeug- und Crosspicking-Gitarrenarbeit [19659092] und Einfluss auf die "Shred" -Musik der 1980er Jahre. ^[120]

Kommerzialisierung [ edit ]

In den frühen 1980er Jahren galt der Progressive Rock als Stil, fast als tot Diese Idee wird durch die Tatsache verstärkt, dass einige der wichtigsten progressiven Gruppen einen kommerzielleren Sound entwickelt haben. ... Was aus der Musik dieser jetzt ex-progressiven Gruppen ging, war eine bedeutsame Anspielung auf Kunstmusik.

- John Covach

Einige etablierte Bands bewegten sich in Richtung einer Musik, die einfacher und kommerziell machbar war. ^{[ Überprüfung erforderlich ]} Echos progressiver Rockkomplexität waren zu hören ^{[ Wieselworte ]} in Arena-Rock-Bands wie Journey, Kansas, Styx , GTR, ELO und Foreigner, die entweder als progressive Rockbands angefangen hatten oder Mitglieder mit starken Bindungen an das Genre hatten. Diese Bands behielten einige Elemente der Arrangements im Orchesterstil bei, lösten sich jedoch von der lyrischen Mystik zu Gunsten von jugendlich orientierten Beziehungsliedern. Genesis verwandelte sich in einen erfolgreichen Pop-Act, und ein neu formiertes Yes brachte den relativ Mainstream 90125 (1983) heraus, der seine einzige US-Nummer eins, "Owner of Lonely Heart", hervorbrachte. Diese funkfreundlichen Gruppen wurden als "Prog Lite" bezeichnet. Eine Band, die großen Erfolg in den 1980er-Jahren erlebte, während sie einen progressiven Ansatz beibehielt, war Pink Floyd, der 1979 The Wall veröffentlichte Pink Floyd - The Wall . ^{[ erforderliche Zitierung ] [nb 12]}

Post-Punk und Post-Progressive [ ]

. Punk und Prog waren nicht unbedingt so gegensätzlich, wie allgemein angenommen wird. Beide Genres lehnen den Kommerzialismus ab, und Punk-Bands sahen einen Bedarf an musikalischem Aufstieg. ^{[nb 13]} Der Autor Doyle Green sagt, der Post-Punk sei "eine Art von progressiver Punk " " . Post-Punk-Künstler lehnten die hohen kulturellen Bezüge der Rockkünstler der 1960er-Jahre wie die Beatles und Bob Dylan sowie Paradigmen ab, die Rock als "progressiv", "Kunst" oder "Studio-Perfektionismus" definierten. Im Gegensatz zum Punk-Rock gleicht er Punks Energie und Skepsis aus, indem er sich erneut mit dem Bewusstsein der Kunstschule, dem dadaistischen Experimentalismus und atmosphärischen, umgebenden Klanglandschaften auseinandersetzt. Die Weltmusik, vor allem die afrikanische und asiatische Tradition, hatte ebenfalls einen großen Einfluss. Progressive Rocks Einfluss war in der Arbeit einiger Post-Punk-Bands zu spüren, obwohl diese Bands eher klassische Rock- oder Canterbury-Bands als Einflüsse benutzten, als vielmehr Roxy Music- und Krautrock-Bands, insbesondere Can. Die Gruppen zeigten einen gewissen Einfluss von Prog zusammen mit ihren üblicherweise erkannten Punk-Einflüssen. ^{[140] Überprüfung erforderlich [nb 14]}

Der Begriff "postprogressiver" bezeichnet den progressiven Rock, der während der Trennung von seinen ursprünglichen Prinzipien zurückkehrt etablierte Prog-Stile der 1970er Jahre, die sich möglicherweise nach 1978 befinden. Martin schreibt Brian Eno von Roxy Music als den wichtigsten Katalysator der Musik. Er erklärt, dass sein Output von 1973 bis 1977 Aspekte des progressiven Rock mit einer vorausschauenden Vorstellung von Punk und neuer Welle verband. Neue Welle, die um 1978–79 mit den gleichen Einstellungen und der gleichen Ästhetik wie Punk auftauchte, wurde von Martin als "progressiv", multipliziert mit "Punk", charakterisiert. Bands im Genre tendierten dazu, Progressive Rock weniger feindlich als die Punks zu sein, und es gab Crossovers, wie Fripp und Eno mit Talking Heads und Yes 'Ersatz von Rick Wakeman und Jon Anderson durch das Popduo The Buggles. Als sich King Crimson 1981 reformierte, veröffentlichten sie ein Album, Discipline das laut Macan den neuen postprogressiven Stil "einweihte". Laut Martin schuf Talking Heads auch "eine Art New-Wave-Musik, die die perfekte Synthese aus Punk-Dringlichkeit und -Haltung und progressiver Rock-Raffinesse und Kreativität darstellt. Ein Großteil des interessanteren Rocks seit dieser Zeit ist eindeutig" post- Die Musik von Talking Heads, aber dies bedeutet, dass es sich auch um postprogressiven Rock handelt. "

Neo-Progressive Rock [ edit

Eine zweite Welle progressiver Rockbands erschien the early 1980s and have since been categorised as a separate "neo-progressive rock" subgenre.^[148] These largely keyboard-based bands played extended compositions with complex musical and lyrical structures. Several of these bands were signed by major record labels, including Marillion, IQ, Pendragon and Pallas.^[150] Most of the genre's major acts released debut albums between 1983 and 1985 and shared the same manager, Keith Goodwin, a publicist who had been instrumental in promoting progressive rock during the 1970s. The previous decade's bands had the advantage of appearing during a large countercultural movement that provided them with a large potential audience, but the neo-progressive bands were limited to a niche audience and found it difficult to attract a following. Only Marillion and Saga experienced international success.

Neo-progressive bands tended to use Gabriel-era Genesis as their "principal model".^[154] They were also influenced by funk, hard rock and punk rock.^[155] The genre's most successful band, Marillion, suffered particularly from accusations of similarity to Genesis, although they used a different vocal style and a sound with more of a hard rock element. Authors Paul Hegarty and Martin Halliwell have pointed out that the neo-progressive bands were not so much plagiarising progressive rock as they were creating a new style from progressive rock elements, just as the bands of a decade before had created a new style from jazz and classical elements. Author Edward Macan counters by pointing out that these bands were at least partially motivated by a nostalgic desire to preserve a past style rather than a drive to innovate.

1990s–2000s[edit]

Third wave[edit]

A third wave of progressive rock bands, who might more properly be described as a second generation of neo-progressive bands, emerged in the 1990s. The use of the term "progressive" to describe groups that follow in the style of bands from ten to twenty years earlier is somewhat controversial, as it has been seen as a contradiction of the spirit of experimentation and progress. These new bands were aided in part by the availability of personal computer-based recording studios, which reduced album production expenses, and the Internet, which made it easier for bands outside of the mainstream to reach widely spread audiences. Record stores specialising in progressive rock appeared in large cities.

The shred music of the 1980s was a major influence on the progressive rock groups of the 1990s. Some of the newer bands, such as the Flower Kings, Spock's Beard and Glass Hammer, played a 1970s-style symphonic prog but with an updated sound. A number of them began to explore the limits of the CD in the way that earlier groups had stretched the limits of the vinyl LP.

Progressive metal[edit]

Progressive rock and heavy metal have similar timelines. Both emerged from late-1960s psychedelia to achieve great early-1970s success despite a lack of radio airplay and support from critics, then faded in the late 1970s and experienced revivals in the early 1980s. Each genre experienced a fragmentation of styles at this time, and many metal bands from the new wave of British heavy metal onwards displayed progressive rock influences.Progressive metal reached a point of maturity with Queensrÿche's 1988 concept album Operation: Mindcrime and Voivod's 1989 Nothingfacewhich featured abstract lyrics and a King Crimson-like texture.

Progressive rock elements appear in other metal subgenres. Black metal is conceptual by definition, due to its prominent theme of questioning the values of Christianity. Its guttural vocals are sometimes used by bands who can be classified as progressive, such as Mastodon, Mudvayne and Opeth.Symphonic metal is an extension of the tendency towards orchestral passages in early progressive rock. Progressive rock has also served as a key inspiration for genres such as post-rock,^[169]post-metal and avant-garde metal,^[170]math rock,^[171]power metal and neo-classical metal.^[172]

New prog[edit]

New prog describes the wave of progressive rock bands in the 2000s who revived the genre. According to Entertainment Weekly's Evan Serpick: "Along with recent success stories like System of a Down and up-and-comers like the Dillinger Escape Plan, Lightning Bolt, and Coheed and Cambria, the Mars Volta create incredibly complex and inventive music that sounds like a heavier, more aggressive version of ’70s behemoths such as Led Zeppelin and King Crimson."^[173]

2010s[edit]

The Progressive Music Awards were launched in 2012 by the British magazine Prog to honour the genre's established acts and to promote its newer bands. Honorees, however, are not invited to perform at the awards ceremony, as the promoters want an event "that doesn't last three weeks".^{[full citation needed]}

Festivals[edit]

Many prominent progressive rock bands got their initial exposure at large rock festivals that were held in Britain during the late 1960s and early 1970s. King Crimson made their first major appearance at the 1969 Hyde Park free concert, before a crowd estimated to be as large as 650,000, in support of the Rolling Stones. Emerson, Lake & Palmer debuted at the 1970 Isle of Wight Festival, at which Supertramp, Family and Jethro Tull also appeared. Jethro Tull were also present at the 1969 Newport Jazz Festival, the first year in which that festival invited rock bands to perform. Hawkwind appeared at many British festivals throughout the 1970s, although they sometimes showed up uninvited, set up a stage on the periphery of the event, and played for free.

Renewed interest in the genre in the 1990s led to the development of progressive rock festivals. ProgFest, organised by Greg Walker and David Overstreet in 1993, was first held in UCLA's Royce Hall, and featured Sweden's Änglagård, the UK's IQ, Quill and Citadel. CalProg was held annually in Whittier, California during the 2000s. The North East Art Rock Festival, or NEARfest, held its first event in 1999 in Bethlehem, Pennsylvania and held annual sold-out concerts until 2012's NEARfest Apocalypse, which featured headliners U.K. and Renaissance. Other festivals include the annual ProgDay (the longest-running and only outdoor prog festival) in Chapel Hill, North Carolina, the annual Rites of Spring Festival (RoSfest) in Gettysburg, Pennsylvania, The Rogue Independent Music Festival in Atlanta, Georgia, Baja Prog in Mexicali, Mexico, ProgPower USA in Atlanta, Georgia and ProgPower Europe in Baarlo, Netherlands. Progressive Nation tours were held in 2008 and 2009 with Dream Theater as the headline act. "Night of the Prog" in St Goarshausen (Germany) is an established European progressive rock festival held every July during 2–3 days for 12 years.

Reception[edit]

The genre has received both critical acclaim and criticism throughout the years. Progressive rock has been described as parallel to the classical music of Igor Stravinsky and Béla Bartók. This desire to expand the boundaries of rock, combined with some musicians' dismissiveness toward mainstream rock and pop, dismayed critics and led to accusations of elitism. Its intellectual, fantastic and apolitical lyrics, and shunning of rock's blues roots, were abandonments of the very things that many critics valued in rock music. Progressive rock also represented the maturation of rock as a genre, but there was an opinion among critics that rock was and should remain fundamentally tied to adolescence, so rock and maturity were mutually exclusive. Criticisms over the complexity of their music provoked some bands to create music that was even more complex.^{[citation needed][nb 15]}

The genre's greatest appeal is to white males. Most of the musicians involved were male, as was the case for most rock of the time, Female singers were better represented in progressive folk bands, who displayed a broader range of vocal styles than the progressive rock bands with whom they frequently toured and shared band members.

British and European audiences typically followed concert hall behaviour protocols associated with classical music performances, and were more reserved in their behaviour than audiences for other forms of rock. This confused musicians during US tours, as they found American audiences less attentive and more prone to outbursts during quiet passages.

These aspirations towards high culture reflect progressive rock's origins as a music created largely by upper- and middle-class, white-collar, college-educated males from Southern England. The music never reflected the concerns of or was embraced by working-class listeners, except in the US, where listeners appreciated the musicians' virtuosity. Progressive rock's exotic, literary topics were considered particularly irrelevant to British youth during the late 1970s, when the nation suffered from a poor economy and frequent strikes and shortages. Even King Crimson leader Robert Fripp dismissed progressive rock lyrics as "the philosophical meanderings of some English half-wit who is circumnavigating some inessential point of experience in his life". Bands whose darker lyrics avoided utopianism, such as King Crimson, Pink Floyd and Van der Graaf Generator, experienced less critical disfavour.

"I wasn't a big fan of most of what you'd call progressive rock," remarked Floyd guitarist David Gilmour. "I'm like Groucho Marx: I don't want to belong to any club that would have me for a member."^[197]

"I still like the original term that comes from 1969: progressive rock -- but that was with a small ‘p’ and a small ‘r.’ Prog Rock, on the other hand, has different connotations -- of grandeur and pomposity," commented Jethro Tull frontman Ian Anderson on the nuance of the genre. "Back then, when we were doing 'Thick as a Brick,' bands like Yes and Emerson Lake and Palmer were already gaining a reputation for being a little pompous and showing off with their music. I think that was OK. The reality is that certain members of Yes were quite humorous about it; they could laugh at themselves -- as, indeed, Emerson Lake and Palmer privately laughed amongst themselves about themselves." He added, "But that’s part of what was going on back then, and I think looking back on it that most of it was a pretty good experience for musicians and listeners alike. Some of it was a little bit overblown, but in the case of much of the music, it was absolutely spot on."^[198]

List of progressive rock bands[edit]

See also[edit]

1. ^ In the rock music of the 1970s, the "art" descriptor was generally understood to mean "aggressively avant-garde" or "pretentiously progressive".^[13]
   


2. ^ From about 1967, "pop music" was increasingly used in opposition to the term "rock music", a division that gave generic significance to both terms.^[20]
   


3. ^ Formalism refers to a preoccupation with established external compositional systems, structural unity, and the autonomy of individual art works. Eclecticism, like formalism, connotates a predilection towards style synthesis, or integration. However, contrary to formalist tendencies, eclecticism foregrounds discontinuities between historical and contemporary styles and electronic media, sometimes referring simultaneously to vastly different musical genres, idioms and cultural codes. Examples include the Beatles' "Within You Without You" (1967) and Jimi Hendrix's 1969 version of "The Star-Spangled Banner".
   


4. ^ Allan Moore writes: "It should be clear by now that, although this history appears to offer a roughly chronological succession of styles, there is no single, linear history to that thing we call popular song. ... Sometimes it appears that there are only peripheries. Sometimes, audiences gravitate towards a centre. The most prominent period when this happened was in the early to mid 1960s when it seems that almost everyone, irrespective of age, class or cultural background, listened to the Beatles. But by 1970 this monolothic position had again broken down. Both the Edgar Broughton Band's 'Apache dropout' and Edison Lighthouse's 'Love grows' were released in 1970 with strong Midlands/London connections, and both were audible on the same radio stations, but were operating according to very different aesthetics."
   


5. ^[1 9659161]LP sales first overtook those of singles in 1969.
   


6. ^ Beatles member John Lennon is known to have attended at least one such event, a happening called the 14 Hour Technicolor Dream.Paul McCartney was deeply connected to the underground through his involvement with the Indica Gallery.
   


7. ^ They are also generally credited as the first global standard-bearers of symphonic rock.^[69]
   


8. ^ Tull alone scored 11 gold albums and 5 platinum albums.^[82] Pink Floyd's 1970 album Atom Heart Mother reached the top spot on the UK charts. Their 1973 album The Dark Side of the Moonwhich united their extended compositions with the more structured kind of composing employed when Syd Barrett was their songwriter,^[83]:34–35 spent more than two years at the top of the charts^{[83]:4, 38} and remained on the Billboard 200 album chart for fifteen years.^[84]
   


9. ^ Radio airplay was less important in the UK, where popular music recordings had limited air-time on official radio stations (as opposed to on pirate radio) until the 1967 launch of BBC Radio 1.^[87] UK audiences were accustomed to hearing bands in clubs, and British bands could support themselves through touring. US audiences were first exposed to new music on the radio, and bands in the US required radio airplay for success. Radio stations were averse to progressive rock's longer-form compositions, which hampered advertising sales.^[89]
   


10. ^ Van der Graaf Generator were much more popular there than in their own country. Genesis were hugely successful in Continental Europe at a time when they were still limited to a cult following in Britain and the US.^{[97][example's importance?]}
    


11. ^ This can be heard in Triumvirat, an organ trio in the style of ELP; Ange and Celeste who have had a strong King Crimson influence. Others brought national elements to their style: Spain's Triana introduced flamenco elements, groups such as the Swedish Samla Mammas Manna drew from the folk music styles of their respective nations, and Italian bands such as Il Balletto di Bronzo, Rustichelli & Bordini, leaned towards an approach that was more overtly emotional than that of their British counterparts.
    


12. ^ Pink Floyd were unable to repeat that combination of commercial and critical success, as their sole follow-up, The Final Cutwas several years in coming and was essentially a Roger Waters solo project^[126] that consisted largely of material that had been rejected for The Wall.^[127] The band later reunited without Waters and restored many of the progressive elements that had been downplayed in the band's late-1970s work. This version of the band was very popular,^[129] but critical opinion of their later albums is less favourable.^[130][131]
    


13. ^ Sex Pistols frontman Johnny Rotten famously wore a T-shirt that read "I hate Pink Floyd",^[115] but he expressed admiration for Van der Graaf Generator,^[133] Can,^[134] and many years later, Pink Floyd themselves.^[135]Brian Eno expressed a preference for the approach of the punk and new wave bands in New York, as he found them to be more experimental and less personality-based than the English bands.
    


14. ^ Julian Cope of the Teardrop Explodes wrote a history of the krautrock genre, Krautrocksampler.^{[141][example's importance?]}
    


15. ^ Yes' Tales from Topographic Oceans and "The Gates of Delirium" were both responses to such criticisms. Jethro Tull's Thick As a Bricka self-satirising concept album that consisted of a single 45-minute track, arose from the band's disagreement with the labelling of their previous Aqualung as a concept album.^[186]
    

References[edit]

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• Snider, Charles. The Strawberry Bricks Guide To Progressive Rock. Chicago, Ill.: Lulu Publishing (2008) 364 pages, ISBN 978-0-615-17566-9 (paperback). A veritable record guide to progressive rock, with band histories, musical synopses and critical commentary, all presented in the historical context of a timeline.


• Stump, Paul. The Music's All That Matters: A History of Progressive Rock. London: Quartet Books Limited (1997), 384 pages, ISBN 0-7043-8036-6 (paperback). Smart telling of the history of progressive rock focusing on English bands with some discussion of American and European groups. Takes you from the beginning to the early 1990s.


• Weingarten, Marc. Yes Is The Answer: (And Other Prog-Rock Tales). Barnacle Book/Rare Bird Books (2013), 280 pages, ISBN 978-0-9854902-0-1. Defense of the genre.